So genießt der Reisende anschließend mit etwas aufgelockerten Melodien seinen Weg, doch bleiben die Texte intensiv. So beginnt „I Corinthians 15:55“ mit den Worten „death, where is thy victory?“ und so zeigt uns Cash, dass der Tod zwar auch hier sein ständiger Begleiter sein mag, doch ein Begleiter, den er schon lange überwunden hat. So fährt er auf seinem Weg fort, und die Songs beginnen in der Mitte, ihre Kraft ein wenig zu verlieren. Die Intensität des Beginns ist verflogen, eine Entspannung tritt ein, Cash wirkt müde. Die Erfrischung mit „Cool Water“ kommt gerade zur rechten Zeit, und schließlich ist Johnny am Ende angekommen. Doch kein letztes Aufbäumen, kein dramatischer Text gepaart mit einer vor Moll überschäumenden Melodik: Mit dem zutiefst entspannten und sehr an Strandmusik erinnernden, stoischen „Aloha Oe“ singt sich Cash selbst wieder in seinen letzten Schlaf, in dem er nun endgültig und für immer ruhen wird.

Bewertung:

“I’m not longing to become human. They are weak and false. But they own and breed doubt. Heaven slumbers. I am awake and roaming the alleys of knowledge to learn the seven arts of mankind.”

Der Titeltrack gibt die inhaltliche Marschrichtung vor: “Art breeds doubt.” Ein Engel steigt zu den Menschen herab, um sie zu beobachten, von ihnen zu lernen. Vornehmlich die Kunst des Zweifelns. Neugier treibt ihn an, das Wesen der Menschlichkeit zu begreifen. Die Ambivalenz der menschlichen Existenz und deren Künste fasziniert ihn mehr und mehr. Obwohl er (noch) nicht alles versteht, dringt er immer tiefer in das abstrakte Bewusstsein der Menschen ein. Nach und nach beginnt er die Ursächlichkeit des Lebens zu begreifen(“I want to meet this fear called death”), was gleichzeitig der Beginn einer großen Sehnsucht ist. Der Sehnsucht nach Menschwerdung.

“Death is the mother of beauty. [...] I reject heaven. I choose to live. [...] I kill myself to prove that”

Im Gegensatz zu vielen anderen Bands sind die Texte bei Shy Guy At The Show keine mehr oder weniger sinnlose Aneinanderreihung von Worthülsen oder Plattitüden, sondern bilden vielmehr ein starkes inhaltliches Fundament, auf deren Grundlage sie ihre Musik aufzubauen verstehen. Und trotz ihres artifiziellen Anspruches verliert sich die Band zu keinem Zeitpunkt in musikalischen Absonderlichkeiten, sondern behält immer den Song als selbstständiges Element innerhalb des kohärenten Ganzen im Auge. Die Folge: Ohrwürmer (Skin, The Dance, House of Elsewhere, Surrounded By Knives)!

Stilistisch hebt man sich bisweilen stark von den beiden Vorgänger-Alben Affection (the sequence of events) und Elliptic ab. Wo vorher noch der relativ ungreifbare Oberbegriff Indie-Rock Pate stand und die eine oder andere Post-Rock Anleihe zu hören war, orientiert man sich bei The Birth of Doubt mehr an Synthesizer-Klängen und bewegt sich damit in der Schnittmenge zwischen Wave und Gothic-Rock. Das mag für Fans der ersten Stunde vielleicht überraschend sein, passt allerdings zum musikalischen Verständnis der Band: Mit allen notwendigen Konsequenzen wird die Musik dem Gesamtkunstwerk untergeordnet.

Die gewünschte Homogenität hat jedoch auch ihren Preis: Das ambitionierte Death Valley Love Affair klingt nach einem imaginären Duell zwischen Meat Loaf und Black Rebel Motorcycle Club, will sich allerdings nicht ganz in den stilistischen Kontext des Albums einreihen. Der Titeltrack The Birth Of Doubt stünde in seiner orchestralen Epik dem Gothic-Musical Repo – The Genetic Opera wesentlich besser zu Gesicht… Meckern ist das Vorrecht des Kritikers. Doch auch das ist nur die eine Seite der Medaille, denn die Ambivalenz beim Hörer lässt sich auch als metaphorischer Transfer des Substanziellen, als inhaltliche Rückkopplung verstehen.

The Birth Of Doubt ist damit in erster Linie eines: Ein Gesamtkunstwerk! Ein überaus gelungenes sogar.

Bewertung:

Zur kompletten CD lässt sich noch nichts sagen, wurde erst bei cd1d.com bestellt. Review wird nachgeholt. Aber der erste Eindruck ist schon mal sehr, sehr gut! Im Titel erwähnter Gratis-Download findet sich auf der Myspace-Seite. Da gibt es unter “Klingt wie” Links zum Download früherer EPs. Einfach mal auf die Bilder von dem seltsamen Hirsch und der Damen bei Tisch klicken:
Minnaars auf Myspace

Jonas’ Top-5

Platz 1: Loney, Dear – Dear, John
Der Name Emil Svanängen dürfte wohl nur Insidern ein Begriff sein, vor Allem solchen, die sich mit den Skandinavischen Nachbarn und ihrem musikalischen Schaffen auseinander setzen. Ich muss zugeben, auch ich hatte keine Ahnung wer dieser Emil war als mir eine Freundin die neue Platte von Loney, Dear, welches die Band des Multiinstrumentalisten Svanängen ist, gab und meinte: „Das wird dir gefallen!“. Und sie sollte Recht behalten.

Loney, Dear sind für mich die Entdeckung des Jahres. Mit ruhigen, einfühlsamen Pop-Songs die von der geschickten und unkonventionellen Instrumentierung und den ungewöhnlichen Akkorden und Melodien leben (wer nimmt sich schon Tomaso Albinonis Adagio in G aus dem 18. Jhd als melodische und harmonische Vorlage?) plätschert das Album Dear, John nur so dahin, erzählt von Liebe, Flughäfen und Wanderungen an nächtlichen Seen und lässt dem Zuhörer durch die unaufdringliche Art immer genug Freiraum für die eigenen Gedankenspiele.

Für mich gab es im Jahr 2009 kein Album, das an die wunderbar friedliche aber dennoch zerbrechliche Stimmung von Dear, John heranreichte. Vor Allem das wunderbare Harm/Slow, das sich, wie schon erwähnt, stark am Barocken Meisterwerk Albinonis orientiert (das übrigens auch im Original sehr hörenswert ist), zog mich völlig in seinen Bann. Einfach ein tolles Album, das jedem Nicht-Insider der Skandinavischen Musikszene, der Loney, Dear wahrscheinlich eh schon kennen wird, nur zu empfehlen ist!

Platz 2: Editors – In This Light And On This Evening
Wer hätte gedacht dass sich die Editors mit einem solch grandiosen Synthie-Feuerwerk 2009 in der Musikwelt zurückmelden? Viele hatten mit einem eher poppigen und Chart-Orientierten Album gerechnet, das den Jungs aus Birmingham zwar viel Geld aber auch viele verärgerte Fans bringen würde, so wie es eben auch schon andere Gefolgsleute der Szene wie zum Beispiel die The Killers vorgemacht hatten. Ich jedenfalls rieb mir verwundert die Augen (oder Ohren?), als ich zum ersten mal das neue Album In This Light And On This Evening gehört hatte. Waren das die Editors? Ja, wenn auch in komplett veränderter Form, dennoch empfehlenswert und eines meiner Highlights im Musikjahr 2009!

Platz 3: Soulsavers – Broken
Eine wunderbar düstere und atmosphärische Platte, die es auf ihre ganz eigene Art und Weise versteht, den Zuhörer in ihren Bann zu ziehen. Mit morbider Grundstimmung und von Mark Lenagans Gesang getragen zieht dieses wunderbare Album leider viel zu schnell an einem vorbei. Definitiv eines meiner Top 3 in diesem Jahr!

Platz 4: Julian Plenti – Julian Plenti is… Skyscraper
Natürlich muss man bei Plentis Gesang unweigerlich an Interpol denken, doch es ist schon erstaunlich wie der Kopf der bekannten New Yorker Indie-Fromation, der ja eigentlich Paul Banks heißt, es schafft, einen neuen und eigenen Stil zu entwickeln. Julian Plenti ist viel zugänglicher und näher als alle drei Inerpol-Alben und überzeugt mit dieser intimen Stimmung. Ein toller Solo-Ausflug, aber dennoch freue ich mich auf das für 2010 angekündigte vierte Interpol-Album!

Platz 5: White Lies – To Lose My Life …
Ich denke die Wahl von To Lose My Life … in meine Top 5 wird für einige Diskussionen sorgen, aber ich stehe dazu ! Natürlich schwimmen die White Lies auf der Indie-Wave-Welle gekonnt mit und liefern nur bedingt Neues, dennoch befinden sich für meinen Geschmack extrem viele Ohrwürmer und Dancefloor-Stürmer auf der ersten Veröffentlichung des Londoner Trios. Es mag ein überproduziertes und extrem durch die Medien-Industrie gepushtes Album sein, dennoch eines meiner meist gehörten im Jahr 2009 (vielleicht nur weil es schon im Januar veröffentlich wurde? – wer weiß).

Sascha’s Top-5

Platz 1: Dinosaur Jr. – Farm
Reichlich spät hat sich für mich mein Album des Jahres 2009 herauskristallisiert. Erblickte Farm schon im Sommer das Licht der Plattenwelt, fand sie ihren Weg mit reichlich Verzögerung in meinen CD-Player. Vom früheren Werk von Dinosaur Jr. weitestgehend unberührt (ja, Asche über mein Haupt, kenne ich doch lediglich Hand it Over und den legendären Feel The Pain – Videoclip) konnte ich mich recht unvoreingenommen mit ihrem Output nach ihrer Reunion (2007) auseinandersetzen.
Schon das Come-Back-Album Beyond von 2007 strotze geradezu vor Spielfreude. Zwei Jahre später nun wird nachgelegt und Farm steht Beyond in nichts nach. Druckvoll eröffnet Pieces die Platte und vereint auch schon direkt alles was Dinosaur Jr. (für mich, siehe Einleitung) ausmachen. Noise-Rock, oder Alternative Rock oder .. Autsch … Grunge? … Verzeihung. Auf alle Fälle, Gitarrenwände mit einem unheimlich rotzigen Sound, viele Melodiebögen und J Mascis unverwechselbarer, melancholischer und schnodderiger Gesang. Die Songs gespickt mit vielen kleinen Ideen und Melodien und Gitarrenläufen. Musik die den idealen Soundtrack zum Tagträumen in der S-Bahn bietet. Funktioniert bei Sonnenschein ebenso gut wie bei Regen.
Gegenüber Beyond präsentiert sich Farm aber über weite Strecken beschwingter. Die Melancholie ist durchaus noch spürbar, wird aber beispielsweise nur in Said The People hemmungslos ausgelebt. Hier drehen Dinosaur Jr. dann auch zu Höchstleistungen auf, wenn Mascis in dem fast achtminütigen Stück darüber singt wie ihn die Menschen deprimieren und nach einem flehendlichen „Save Me“ gleich zweimal innerhalb des Lieds zu einem Gitarren-Solo ausholt, welche durchaus an Alone auf der Hand It Over heranreichen. Überhaupt lebt die Platte von Mascis ausufernden Gitarrensoli, die viele der Lieder weit über die 5-Minuten-Marke hinausschieben. Es macht einfach unheimlich viel Spaß zuzuhören, mit welcher Leidenschaft der gute Herr sein Instrument spielt. Das Album wird schließlich durch Your Weather und Imagination Blind abgerundet, in denen auch der Bassist Lou Barlow ans Mikrofon darf und einen interessanten Kontrast zu J Mascis dominierenden Gesang schafft.
Als kleinen Kritikpunkt lässt sich höchstens anführen, dass das Schlagzeug und der Bass in der Produktion doch arg in den Hintergrund gerückt wurden. Die Qualität der Songs wird dadurch aber keineswegs gemindert. Ein geniales Album, das mich sicher noch eine ganze Weile begleiten wird.
Anspieltips: Pieces, See You, I Don’t Wanna Go There, Said The People

Platz 2: John Frusciante – The Empyrean
Für eingefleischte Fans der Red Hot Chili Peppers mag John Frusciante vergangene Woche die schlimmste Nachricht des scheidenden Jahres auf seinem Blog veröffentlicht haben. Der Meister verlässt (wieder einmal) die RHCP. Wie sich das auf das weitere Schaffen der Peppers auswirkt, bleibt abzuwarten. Umso hoffnungsvoller blicke ich dafür Frusciantes Soloplatten entgegen. Der Schritt seiner Band den Rücken zu kehren und seine angeführten Gründe sind absolut nachvollziehbar, wenn er schreibt er habe sich künstlerisch weiterentwickelt. Denn wo die RHCP (nur – wenn auch geniale -) Pop-Songs schreiben, erschafft John Frusciante Kunst. Tiefgründig, experimentell & anspruchsvoll.

Mit The Empyrean legt er erneut eine sehr imposanteste Platte vor. Gäbe es nicht schon Shadows Collide With People, würde ich von seinem Meisterwerk sprechen. Beeindruckend, wie er alle Register des Songwriting zieht und den Liedern immer wieder neue Nuancen gibt.

Nach dem langsamen, instrumentalen Opener Before The Beginning folgt dann auch sogleich das erste Highlight der Platte. Ein geniales Cover von Tim Buckleys Song To The Siren, das an Eindringlichkeit weder dem Original noch der Version von The Mortal Coil nachsteht. In Unreachable legt Frusciante anschließend ein solch traumhaftes Gitarrensolo hin, dass der Song-Titel ziemlich treffend gewählt ist. Die Gitarrenarbeit ist natürlich auf der ganzen Platte (wie immer) über jeden Zweifel erhaben.

The Empyrean ist unheimlich vielschichtig und hält bei jedem Hördurchlauf weitere Facetten bereit, die es zu entdecken gilt. Ein Album, das schier ins Unendliche wächst. Bin gespannt, was noch kommen wird.

Platz 3: Brand New – Daisy
War eine solch rohe und sperrige Platte zu erwarten? Die neue Brand New kommt wahrlich nicht zimperlich daher und wandelt irgendwo zwischen Melancholie und impulsiver Aggression. Klingt jetzt erst mal nicht so wahnsinnig spannend, hat man ähnliche Gerichte ja doch bereits mehrfach verspeist und von einer unüberschaubaren Anzahl an Bands serviert bekommen. Ohnehin, ausgiebig geschrien wurde auch schon auf The Devil And God Are Raging Inside Of Me, jedoch war diese bei weitem nicht derart kantig.

Auf dem Vorgänger zu Daisy zeichnete sich schon deutlich ab, dass die Herren gerne experimentieren, aber diesmal klingt alles noch ein gutes Stück progressiver und eigenwilliger. Insbesondere klingt Daisy aber nach einem: höllisch viel Krach! Dem Ohr schmeichelnde Melodien sind nach wie vor vorhanden, wurden aber sehr dürftig über den ächzenden und sich beständig windenden Körper von Daisy gelegt. Nein, man kann Brand New sicher nicht den Vorwurf machen, sie würden sich mit dieser Platte verkaufen. Neben dem offensichtlichen Hit At The Bottom ist Gasoline eines der (vielen) Highlights. Deshalb an dieser Stelle die zutreffende Floskel: Sollte in keiner Sammlung fehlen!

Platz 4: Fever Ray – Fever Ray
Fever Ray stellt die Ausnahme meiner gitarrenlastigen Top-5 dar. Eine Platte wie eine Musik gewordene Depression. Sich träge ausbreitende, düstere Klangwelten, die sich in schwerfällig pulsierende Rhythmen und Sounds ergießen. Unterkühlt und synthetisch. Fever Ray hätte sicher auch einen guten elektronischen Soundtrack für Lars von Triers zutiefst verstörenden und bedrückenden Horrorfilm Antichrist abgegeben (großartig und gleichzeitig eine absolute Zumutung für den Zuschauer). So ähnlich ergeht es einem auch mit Fever Ray. Man muss die Bereitschaft mitbringen, sich auf eine solche emotionale Talfahrt einzulassen, wird dafür aber mit großartiger Musik belohnt. Wie auch bei ihrer Band The Knife verfremdet Karin Dreijer Andersson ihre Stimme bis zur Unkenntlichkeit und nutzt dieses Stilmittel gekonnt um eine ganz eigene Klangwelt zu erschaffen.

Platz 5: Silversun Pickups – Swoon
Irgendwas ist an der Musik der Silversun Pickups dran, was mich unweigerlich in ihren Bann zieht. Zum einen ist es die außergewöhnliche Stimme von Sänger Brian Aubert und dessen expressiver Gesangsstil sowie dieser faszinierende Gitarren-Sound, an welchem sich Freunde von Fuzz-Gitarreneffekten ergötzen können. Vor allem verfügen ihre Songs aber über diese eindringliche Atmosphäre; diese ständig präsente Traurigkeit und Verzweiflung, die den Liedern innewohnt. Grandiose Arrangements und Hooklines, als auch die perfekte Produktion machen jeden Song zu einem Kandidaten für den Repeat-Button. War Carnvas schon ein phantastisches Album, ist es ihnen gelungen dieses mit ihrem zweiten Longplayer noch zu übertreffen.

Seb’s Top-5

Platz 1: Nick Cave und Warren Ellis – White Lunar
Dieses Jahr ist anders. Noch nie habe ich so wenige Platten gehört, noch nie mich so zögerlich neuen Scheiben angenähert. Gleichzeitig habe ich jedoch noch nie so intensiv, genau und mit Hingabe diejenigen Platten gehört, die in meine CD-Player rotieren. Es war ein Reflex, der mich die neue CD des Australiers bestellen ließ: neues Album von Nick Cave – in den Einkaufswagen! Ich wunderte mich schon sehr, dass der gute Mann schlichtweg nicht singen wollte. „Hey Nick, wo bleibt denn deine geniale Stimme, die ich seit Jahren liebe!“ Nachträglich las ich mir die Beschreibung zu White Lunar durch und war überrascht, ein wenig enttäuscht und fühlte mich betrogen. Filmmusik? Fast alles nur Instrumental-Stücke?! Kein Song-Writing? Keine verzweifelten Lyrics und Vocals?! Tja, da saß ich nun mit meiner neuen Nick Cave-Platte und kostete die Abwesenheit des Meisters. Doch dann passierte es. Mit einem Seufzer legte ich den Silberling erneut ein…er rotiert bis heute!
Cave und Ellis bieten grenzenlos facettenreiche und tiefsinnige Songs gibt es da zu hören. Fantastische Arrangements und eine zauberhafte Atmosphäre. Oft passiert nicht viel und doch spielt sich ein ganzer Kosmos von Erlebnissen, Eindrücken und Dramen im Kopf des Zuhörers ab. Mit dieser CD verhält es sich wie dem auf selbiger besungenen bzw. mit Musik unterlegten Streifen Die Ermordung des Jesse James durch den Feigling Robert Ford. Entweder man liebt diese völlig entschleunigte und nur ihren eigenen Gesetzen gehorchende Musik und Filmkunst oder man kann damit gar nichts anfangen. Ich konnte dieses Jahr sehr viel damit anfangen. So viel, dass ich gar nicht mehr Musik hören wollte…Meine Platte des Jahres!

Platz 2: Soulsavers – Broken
Für mich gibt es keinen Sänger, der mehr Leiden, Liebe, Hass, Emotion und Zögern in seine Stimme legen kann wie Mark Lanegan. Ein vielschichtiges, spannendes und immer faszinierendes Album.

Platz 3: Bob Dylan – Together Through Life
Der Meister kann es noch immer! Fantastisches Album, das vor allem durch seine treibenden Rocksongs überzeugt und begeistert. Danke Bobby – „It’s all good!!“

Platz 4: Julian Plenti – Julien Plenti Is Skyscraper
Tja, es ist keine Interpol-Platte geworden…leider! Leider? Nein, wärmer, intensiver und menschlicher als die Werke von Interpol. Paul Banks begeistert mich – auch ohne seine Kollegen Daniel Kessler, Sam Fogarino und Carlos Dengler!

Platz 5: Editors – In this Light and on this Evening
Mutig, schroff, dunkel. Mit brillanten Songs, aber auch einigen zu glatten Stücken schaffen es die Editors gerade noch in meine Top 5.

Phil’s Top-5

Einige der Alben, die bereits von meinen Mitstreitern genannt wurden, würden es unter Umständen auch auf meine Top 5 des Jahres 2009 schaffen. Da wir dem Leser aber auch einen gewissen Mehrwert bieten wollen, möchte ich an dieser Stelle explizit auf Mehrfachnennungen verzichten. Ansonsten hätten es beispielsweise Editors, Soulsavers und auch John Frusciante in die Liste geschafft.

Platz 1: Dredg – The Pariah, The Parrot, The Delusion
Rückblickend betrachtet ist 2009 ein wirklich sonderbares Musikjahr geworden. Viele aus dem Kreise meiner persönlichen Favoriten, die auch in der breiten Öffentlichkeit bekannt sind – beispielsweise Muse, Dredg, Maximo Park, The Mars Volta, Editors, Biffy Clyro etc. – haben dieses Jahr ein neues Album veröffentlicht. Und auch wenn mich keines der Alben wirklich 100%ig überzeugen konnte und gerade in Relation zum bisherigen Schaffen der jeweiligen Band meistens etwas enttäuschte, waren es doch einige der oben genannten Bands, die mich auch dieses Jahr wieder am meisten beeinflusst und immer wieder den Weg durch meine Boxen gefunden haben. Dredg ist hierfür das Paradebeispiel.
Ja, die neue Dredg-Scheibe bietet allerhand Angriffsfläche und ja, es ist definitiv nicht deren bestes Album. Doch auch hier wird wieder klar, dass selbst ein mittelmäßiges Dredg-Album immer noch wesentlich besser ist als der Rest. Dabei gefällt gerade der stilistische Twist zwischen der Poppigkeit von Catch without Arms und der inhaltlichen Geschlossenheit von El Cielo außerordentlich gut. Es hätte an manchen Stellen durchaus etwas mutiger und auch ruppiger zur Sache gehen können, aber das Missionsziel der Band wurde dennoch nicht verfehlt. Das bedeutet für mich: Platz 1!

Platz 2: Voltaire – Das letzte bisschen Etikette
Auch das neue Voltaire Album ist trotz oder vielleicht auch wegen seiner größeren textlichen Zugänglichkeit längst nicht so gut geworden wie der Vorgänger Heute ist jeder Tag. Deutsch-Pop trifft Pathos und Kitsch. Was bei anderen Bands ein Ausschlusskriterium wäre funktioniert an dieser Stelle außerordentlich gut und macht Das letzte bisschen Etikette zu einem meiner Highlights 2009.

Platz 3: Helgi Hrafn Jónsson – For The Rest Of My Childhood
Wieder so ein Künstler, den man Anfang des Jahres noch nicht auf dem Zettel hatte und mal wieder der beste Beweis dafür, dass die Musik aus Island doch irgendwie von einem ganz anderen Stern kommt. Jónsson macht Sigur-Rós-Musik für Einsteiger mit mehr Songstruktur und Melancholie.

Platz 4: The xx – The xx
Ein Album welches mich erst im letzten Viertel des Jahres wirklich erreicht hat und dann nicht mehr wegzudenken war. Minimalistischer 80er Pop im Stile von ganz frühen The Cure mit einem Schuss Electronica á la Fischerspooner. Stark!

Platz 5: Japandroids – Post-Nothing
So klingt der Hybrid aus Noise-Pop, schrammeligem Garagen-Rock und eine großen Portion Indie-Attitüde im Jahre 2009. Erinnert in Ansätzen an die frühen und noch rohen …And You Will Know Us By The Trail Of Dead und in Ansätzen auch an Sonic Youth. Die Newcomer 2009!

M83 – We own the sky

Herrlicher 80er Synthie-Pop, der die Franzosen in das Line-Up der diesjährigen Depeche Mode Tour katapultierte. Wunderschön!

Modest Mouse – Whale Song

Mit Sicherheit nicht der beste Song von Modest Mouse, aber dafür ihr technisch aufwändigstes Video. Sehenswert!

“Whale Song” for Modest Mouse from Bent Image Lab on Vimeo.

Portishead – Chase the Tear

Portishead reduzieren sich mit Chase The Tear auf die Grundzüge ihrer Musik. Das mag dem einen oder anderen zuwenig sein, aber Weniger ist bekanntlich auch Mehr. Ein einfaches Video mit Charme und die Stimme von Beth Gibbons ist immer wieder ein Genuß.

Martha Wainwright – Adieu, Mon Coeur

Wer Edith Piaf Songs covert kann eigentlich nur scheitern – es sei denn man heißt Martha Wainwright und würzt die Songs mit eigenem Verve. Gelungen!

Selbst diejenigen unter den selbsternannten Kritikern, die mit dem unbedingten Willen zur Objektivität angetreten sind, werden schnell merken, dass die Erwartungshaltung ein kaum zu kontrollierendes Monster ist, welches den Verstand beständig zu penetrieren versucht. Da fällt natürlich fast schon mit dem ersten Ton der Platte auf, dass hier drei außergewöhnliche Musiker zusammenarbeiten, das Ergebnis jedoch in weiten Teilen “nur” nach einer weiteren Queens Of The Stone Age Platte klingt. Kann das wirklich ein Kritikpunkt sein, wo doch Queens Of The Stone Age schon seit Jahren Everybody’s Darling sind? Und da ist sie wieder: Die Erwartungshaltung. Eine Zusammenarbeit zwischen drei dermaßen exponierten Musikern muss nach mehr klingen, muss ein Meilenstein sein, muss Grenzen sprengen oder sie zumindest überwinden! Oder doch nicht? Werden wir damit der eigentlichen Musik überhaupt noch gerecht oder messen wir nur noch anhand des Bekanntheitsgrades?

Eine knifflige Situation, denn natürlich muss sich ein Band bzw. deren Musiker immer auch an ihrem bisherigen Kunst- und Lebenswerk, ihrem Backkatalog messen lassen. Und ebenso natürlich ist es auch, wenn mit steigendem Erfolg, mit immer besseren Alben, immer größeren Tourneen auch die Erwartungshaltung steigt. Nicht nur die der Kritiker, sondern auch die der Fans. Doch sind wir mal ehrlich: Them Crooked Vultures haben noch keine Bemessungsgrundlage geschaffen, die uns ein solches Urteil erlaubt. Unter objektiven Gesichtspunkten betrachtet ist es doch mehr als unfair, die Einzelwerke der Künstler einfach zu addieren und daraus einen übergroßen Leistungsanspruch zu generieren. Oder ist das durchaus legitim, da Musik größtenteils auf der emotionalen Schiene abläuft?

Und da ist sie auch schon die Emotionalität, die nach den ersten drei soliden Songs anfängt zu schreien: “Das ist alles? Mehr habt ihr nicht zu bieten?” Die Songs sind ordentlich, aber wer will das von Homme, Grohl und Smith hören? Wo ist da die musikalische und künstlerische Relevanz? Aber halt, wir wollten doch nicht zu emotional reagieren. Und siehe da, die Songs werden besser, je öfter man sie hört. Wer bereit ist, seine ursprüngliche Erwartungshaltung mit jedem weiteren Hördurchgang noch ein Stückchen mehr über Bord zu werfen, der wird belohnt und bekommt ein gepimptes Queens Of The Stone Age Album mit einigen neuen Facetten. Nicht mehr aber auch nicht weniger.

Und wer nach den ersten drei Songs im Affekt nicht schon enttäuscht abgeschaltet hat, der wird belohnt werden. Die Highlights kommen spät, aber sie kommen. Wirkliche Nieten gibt es sowieso keine. Hatte auch keiner ernsthaft erwartet, oder?! Zugegeben, nicht jeder Song geht sofort ins Ohr bzw. in die Beine, aber das haben auch nur die hoffnungslosen Optimisten unter uns erwartet. Them Crooked Vultures liefern damit ein wirklich überzeugendes Stoner Rock Album ab, dass mit einigen interessanten musikalischen Aspekten aufwarten kann. Und dennoch ist da immer noch diese Stimme im Hinterkopf, die mir einzureden versucht, dass da mehr möglich war…

Bewertung:

Baroness lebt in erster Linie von der Kohärenz seines Gesamtkunstwerkes. Das spiegelt sich nicht nur in den diversen Artworks wieder, sondern vor allem in der Dramaturgie des Albums. Jeder Song dient dabei dem großen Ganzen. Der Star ist sozusagen die Mannschaft. Superstars und grandiose Einzelspieler sucht man hier vergebens. Das Kollektiv aus den 12 Songs gewinnt dennoch und das durchaus eindrucksvoll. Wer Kylesa, Isis oder Mastodon kennt, dem kommt das unter Umständen bekannt vor. Das ist passen zur herbstlichen Gemütslage und dient der Katharsis der Seele.

Doch eine Band muss sich immer auch an ihrem bisherigen Schaffen messen lassen und in der Hinsicht kann sich Blue Record nicht von The Red Album absetzen. Wer vorher schon nichts mit Baroness anfangen konnte, der wird auch mit diesem Album nicht warm werden. Fans des 2007er Debüts bekommen allerdings die erwartete Kost progressiver Düsternis. Das nennt man Stagnation auf hohem Niveau. Wirklich toll, aber das nächste Mal geht noch etwas mehr, oder?!

Bewertung:

Die isländische Musikszene hat bereits einige wirklich großartige Perlen hervorgebracht. Größen wie beispielsweise Sigur Rós haben sich selbst hierzulande einen nicht zu unterschätzenden Bekanntheitsgrad erarbeiten können und müssen daher natürlich immer als Gradmesser herhalten, wenn es um Musik aus dem zweitgrößten Inselstaats Europas geht. Im Fall von Helgi Hrafn Jónsson sind diese Vergleiche allerdings durchaus angebracht. Da fällt zum einen die unüberhörbare Ähnlichkeit zum Gesang von Sigur Rós Gitarrist und Frontmann Jón Þór „Jónsi“ Birgisson auf. Zum anderen ist da die ebenso unüberhörbare Liebe zu melancholischen und bittersüßen Pop-Melodien.

Während sich allerdings Sigur Rós auf ausufernde Kompositionen und Klangwelten konzentrieren und mit einer eigens dafür geschaffenen Kunstsprache vollenden, arbeitet Helgi Jónsson songorientierter und ist damit im ersten Moment wesentlich greifbarer und auch zugänglicher. Bei aller Liebe zu Sigur Rós und deren Kunstverständnis bzw. -Schaffen, kann man ihnen dennoch eine gewisse Verklausulierung und Eintönigkeit unterstellen. Jónsson ist in dieser Hinsicht geradliniger, ohne jedoch die immer wieder durchschimmernde Progressivität seiner Musik vollends aus den Augen zu verlieren. Da passt es ins Bild, dass auch die Texte oftmals in englischer (bzw. isländischer) Sprache vorgetragen werden und sich Jónsson nicht hinter der scheinbaren Unantastbarkeit einer Kunstsprache versteckt, nur um der hochgelegten Messlatte des isländischen Kunstanspruchs gerecht werden zu müssen. Erfrischend!

Es ist in der Regel ein ganz großes Kompliment für einen Künstler, wenn er gleich mit den ganz Großen verglichen wird und dabei alles andere als schlecht aussieht. Bei Helgi Hrafn Jónsson ist das nicht anders und – um das Spiel mit den großen Namen mal zu komplettieren – neben Sigur Rós sind nicht wenige Anleihen aus dem Radiohead Universum zu vernehmen, ohne sich jedoch zu sehr aufzudrängen. Love Mind erinnert passagenweise sogar an die Eels. Das einzige was Helgi Hrafn Jónsson fehlt um mit The Rest Of My Childhood den ganz großen Wurf zu landen ist die Tatsache, dass es ihm vielerorts nicht gelingt, den überdimensionalen Schatten von Sigur Rós komplett hinter sich zu lassen. Dennoch und um es abschließend auf den Punkt zu bringen: Wer sich mit den genannten Fixpunkten anfreunden kann, dem sei Helgi Hrafn Jónsson ohne Kompromisse ans Herz gelegt.

Bewertung:

Als Kenneth Grahame im Jahre 1908 seinen Roman The Wind in the Willows, zu deutsch Wind in den Weiden, veröffentlichte fand seine Erzählung schnell eine große Leserschaft. Die Geschichte um Ratte, Maulwurf, Kröterich und Dachs stellt für mich ironischerweise die perfekte Analogie zum Schaffen des grandiosen Mark Lanegans dar, der gleichsam als Stimme und Herzstück der Soulsavers agiert. Und hier kommt schon der erste Einwand: Ist er das noch?
Zwar singt Lanegan zehn der dreizehn neuen Songs auf Broken, die allesamt die gewohnt düstere Schwere aller Laneganschen Musikstücke verbreitet; dennoch scheint der Maestro gerade dann zur Hochform aufzulaufen, sobald er – wie Ratte, Maulwurf, Kröterich und Dachs – den Ruf der (musikalischen) Heimat zwar vernimmt, sich aber immer öfter tastend in die unsichere Freiheit unbekannter Musik(Landschaften) begibt.
„Some Misunderstanding“ dient in diesem Zusammenhang als anschauliches Beispiel für eine Entwicklung, die Lanegan stellvertretend für die Soulsavers zu machen scheint. Zwar kreist der dunkle Poet nach wie vor um sein (tief singendes) Ich, das ihn nach wie vor mit einer wunderbar-schrecklich gegerbten Stimme versorgt, die jetzt aber plötzlich singen klingen will. Es ist kein Lanegan, der sich auf dem Geschehenen schöpft, mehr zu hören, sondern eine neue Stimme die wagt – und gewinnt.
Ein Blick auf die Credits im Booklet der Platte zeigt ebenfalls die eingangs angesprochene postive Auflösung der Band in dutzende Stimmen, Orte, Köpfe, Finger und Saiten. Die Soulsavers sind nunmehr eine Kunstobjekt – nahezu losgelöst vom Konkreten und Materiellen. Das nennt sich Entwicklung.

Bewertung:

Zugegeben, wer sich im Vorfeld über den Produzenten des neuen Editors-Album In This Light And On This Evening informiert hatte, war wohl etwas weniger überrascht ob des neuen und weitaus Synthesizer-lastigeren Sounds der vier Briten , denn angesichts der Referenzliste von Mark „Flood“ Ellis, in der sich Größen wie Nine Inch Nails, Depeche Mode und P.J. Harvey die Klinke in die Hand geben, war die ungefähre Marschrichtung schon zu vermuten gewesen. Dennoch, überrascht waren auch die Eingeweihten!

Mit ihrem dritten Studioalbum schlägt das Quartett aus Birmingham bisher unbeschrittene Wege ein, die von Düsterheit gesäumt und von Synthesizerflächen bewachsen sind. Galten die im Jahr 2005 mit ihrem Album The Back Room von den Indie-Fans so gefeierten Musiker lange Zeit als Interpols kleiner Bruder so liegt der Vergleich mit Joy Division bzw. New Order oder Depeche Mode nun um einiges näher, obwohl man vor Vergleichen in der Musikwelt ja eigentlich eher Abstand nehmen sollte. Aber die fast komplett von Gitarren befreite Platte lässt keine andere Wahl als an besagte Bands zu denken, was jedoch bei Weitem nichts Schlechtes bedeuten muss!

Schon der erste Song, der auch den Albumtitel stellt, lässt erahnen, ja zwängt den Gedanken wahrhaft auf, dass sich die Editors gewandelt haben. Synthie-Flächen und scharfe Sägezahn-Riffs haben die Gitarren-Wände ersetzt, düsterer und über weite Strecken fast schon monotoner Gesang hat die so oft zum Mitsingen animierenden Phrasen verdrängt und elektronische Spielereien beherrschen nun den Editors-Sound. Dabei geht die Atmosphäre jedoch nie verloren, denn die Kapelle um Frontmann Tom Smith versteht es, zumindest größtenteils die Spannung zu halten und sich nicht in 80er-Retro-Schmachtfetzen zu verlieren. Zum Glück!, denn Bands wie The Killers (deren vorletztes Album Sam’s Town übrigens auch von Flood produziert wurde) haben uns bewiesen, dass man dieses nun doch schon fast 30 Jahre zurück liegende Jahrzehnt auch massentauglich und langweilig ausschlachten und ganz nebenbei seinen Ruf als innovative Band verlieren kann.

Auf In This Light And On This Evening mag vielleicht nicht mehr ein so großartiger Ohrwurm wie Munich sein, doch darauf zielt dieses Album auch nicht ab. Die düster vor sich hin fließende Gesamtatmosphäre, die durch einzelne brachiale Klangausbrüche durchbrochen wird (zum Beispiel zu Ende des genialen Openers), bietet nach mehrmaligem Hören immer wieder neue Ecken und Kanten, an denen man sich als Zuhörer entlang hangeln kann. Aber auch eingängige Melodien, die an die ersten beiden Platten erinnern, sind zu entdecken (zum Beispiel der Refrain von Bricks and Mortar). Schade nur, wenn die Vorbilder wie Depeche Mode teilweise ein wenig zu deutlich zu erkennen sind, wie zum Beispiel bei der ersten Single Papillon, das eher zu den schwächeren Stücken auf dem insgesamt überzeugenden Album zählt. Dennoch, alle neun bzw. (auf der Extended Version) vierzehn Songs ergeben ein in sich stimmiges und homogenes Bild, das zwar stark von den alten Editors-Alben abweicht, aber eine neue und mindestens genauso interessante Facette der britischen Überflieger zeigt. Wer hätte es gedacht? – Ich nicht, aber die Editors sind eine der positiven Überraschungen dieses so langsam aber sicher ausklingenden Jahres!

Bewertung: